Peu de gens avaient compris lors du vernissage de cette exposition consacrée à Madeleine Vionnet ce qui l’avait rendu possible. Le premier projet portait sur une campagne de restauration exceptionnelle financée par Natixis de la collection comprenant 122 robes, 750 toiles patrons, 75 albums dits de copyright que la couturière avait donné à l’Union Française des Arts du Costume en 1952, à François Boucher et Yvonne Deslandres. Ce mécène s’est spécialisé dans des œuvres de restauration d’objets d’art, mais n’avait jamais œuvré dans le domaine de la mode. L’initiative est donc très originale et s’est prolongée par une présentation au public du résultat de ces travaux sous la forme d’une exposition. Exceptionnelle également car c’est la première fois que l’œuvre de Vionnet est montrée à Paris. Deux expositions lui ont été consacrées en province : la première organisée par moi-même au Musée de la Vieille Charité à Marseille, puis la deuxième au Musée Historique des Tissus de Lyon, par Lydia Kamitsis. Exceptionnelle aussi parce que Madeleine Vionnet est une figure majeure de l’histoire de la mode. Elle a apporté de multiples réponses à la grande question qui se pose au début du XXème siècle : comment construire un vêtement sur l’absence de corset, comment vêtir un corps qui bouge sans entraves. En défiant les incertitudes du « flou », en libérant le tissu des coutures, des pinces, des boutons, en laissant dialoguer sensuellement le tissu et le corps, un tissu qui échappe à la pesanteur lorsqu’il est traité dans le biais, en drapé, en mouchoir... Avec Vionnet, la mode n’est plus un art de la décoration, la coupe, le volume suffisent à créer la distinction. Le décor est engendré par la structure. Un nouveau chapitre de l’histoire de la mode s’ouvre ainsi, le décor n’est plus un placage, un enjoliveur, il procède de la coupe. Rien de superflu, rien que la nécessité de la forme. Une exposition à voir d’urgence pour une grande leçon de mode et de couture.

« Madeleine Vionnet, puriste de la mode ».  Musée des Arts Décoratifs. Jusqu’au 31 janvier 2010.



 



 



 

La Galerie des Galeries vient d’inaugurer une exposition Carte Blanche confiée à Olivier Saillard, une initiative qui rend plus accessible au public le travail de cet artiste-historien-de-la-mode au profil très atypique. On peut la visiter comme un parcours d’enquêteur de la littérature, cherchant,à travers le vêtement, les traces d’histoires romanesques. Le vêtement est là comme une trace, un témoin, comme les restes d’actions passées, qui en disent aussi long sur les absents que le texte. Mais au-delà du concept à décoder avec patience, des accents nostalgiques et d'une mise en scène délicatement affectée, une lecture plus immédiate interpelle le visiteur pressé : une collection d’objets curieux qui pourraient bien devenir objets de design à intégrer tout simplement dans un intérieur contemporain : chapeaux abat-jour, chapeaux suspensions, chemise-sachets de lavande… Reste à trouver des éditeurs.

Jusqu’au 15 août 2009. Galerie des Galeries. Galeries Lafayette. 29 bis rue de la Chaussée d’Antin. 75009. Paris.
T : 01 42 82 81 98









 

On connaît l’actrice, on connaît moins l’artiste-sculpteur. L’exposition organisée par la galerie Claire Corcia permet de découvrir un aspect particulièrement attachant de cette personnalité singulière. Il faut pousser une porte pour pénétrer dans une petite pièce où sont installées en une sarabande infernale les « Créatures d’argile » de Florence Thomassin. Présentée comme un back-room de ses fantasmes dont elle indique la voie en soulignant qu’il s’agit d’un « journal intime ». Ce sont donc des femmes de terre cuite émaillée, donc silencieuses et immobiles, qui semblent vouloir crier et s’arracher à leurs conditions terriennes, mais restent figées dans leurs cauchemars ou leurs transes sexuelles. Les maquillages coulent, les seins s’affaissent, elles se pendent, mais ne renoncent jamais à tendre un regard de poupées étonnées sur le monde et sur nous les visiteurs. Saisissant.

Galerie Claire Corcia. 323 rue Saint Martin. 75003 Paris.







 

Au cours d’un élégant dîner chez Kris Van Aasche, Barbara Polla présentait le numéro O de la revue « Londerzeel » qu’ils ont conçu ensemble. Des photos de l’exposition « Picaflor » présentée par le créateur de Dior Homme à la Villa de Noailles lors du dernier Festival de la Mode d’Hyères sont accompagnées d’images d’inspiration, de textes de Paul Ardenne, de dessins d’Andrea Mastrovito, de photos de Mauricio Nardi ou encore de vues de l’installation « Poète en grève » créée par le designer dans la galerie genevoise de Barbara Polla. L’infatigable galeriste-médecin-auteur-ex-députée et passionnée d’art et d’esthétique signait le lendemain dans la librairie l’Age de l’homme » son dernier ouvrage « Amor o muerte » consacré à Kris Van Aasche. Une biographie d’un genre nouveau, mêlant enquêtes, réalité et subjectivité, analyse et message d’affection évoquant un homme de mode, une vie dédiée à la création et une belle âme.



 

Ces robes andalouses portées dans les ferias montrent à quel point une tradition peut devenir autre chose qu’un simple folklore. Car il ne s’agit pas de folklore mais d’une coutume complètement vivante et pratiquée sans aucun esprit « muséal » comme le sont souvent les fêtes dites traditionnelles. Le principe est le même qu’au XIXème siècle, une robe à volants accompagnée d’un châle, mais les tissus le choix des tissus et des couleurs est bien actuel. Certaines n’hésitent à se faire des robes dans du nylon pourvu que l’imprimé ou le coloris soit joli. Il s’agit notamment d’assortir tous les éléments de la tenue dans une même gamme de couleurs. Le peigne, le sautoir en plastique et la fleur proviennent le plus souvent de boutiques très bon marché, tenues par des chinois. Et ces éléments « contemporains »  composent une panoplie qui respecte parfaitement la tradition dans son intention originelle : un costume de fête populaire.